文章： 染付：日本青花瓷，以及“染锦”的含义
染付：日本青花瓷，以及“染锦”的含义
在日本瓷器中，有两个词频繁出现：“染付”（sometsuke）和“染锦”（somenishiki）。它们并非可以互换，一旦你知道该从何处观察，两者的区别显而易见。
两者始于同一点——钴蓝色，在施釉前描绘在瓷器胎体上。之后的发展，便是它们分道扬镳的地方。
何为染付
染付（sometsuke）是将钴料直接描绘在瓷胎上，覆盖透明釉后烧制而成。由于颜料位于釉层之下，它被牢牢封存。它不会被刮掉，不会在器缘磨损，也不会随着洗涤而褪色。
蓝色在釉层之下。你触摸到的是玻璃，而图案则深藏其下。
这种颜料在日语中有一个专属名称：吴须（gosu）。拿在手中，它是一种暗灰色的粉末，看起来与它最终呈现的蓝色毫无关联。颜色只有在窑炉中才会显现出来。
在经典的染付中，蓝色是唯一的色彩。白底，蓝色描绘，别无他物。
从唐代中国到有田
青花瓷并非起源于日本。
已知最古老的作品来自中国唐代，约在9世纪，产自河南巩县窑。因为一次沉船事故，我们能非常确信地对其断代。一艘阿拉伯帆船于826年或稍后不久在现今印尼的勿里洞岛附近沉没。在成千上万件中国陶瓷中，有三件青花瓷碟。据信没有其他完整的唐青花传世。
繁复的满底蓝色。在远在日本掌握这项技术之前，这种外观风格就已从中国传播开来。
这项技术随着遣唐使抵达日本，他们将陶瓷带回了国内——按日本历史断代，即平安时代中期。然而，“看到”与“制作”是截然不同的两回事，而后者则花费了日本又几个世纪的时间。
成熟的生产始于17世纪的佐贺县有田。有田产出的瓷器，以其出口港口——伊万里（Imari）的名字命名，风靡全国。石川县的九谷烧也是由此根源发展而来。说大多数日本陶瓷中都带有伊万里的印记，这几乎毫不夸张。
日本所作的改变
日本并非简单地照搬方法，而是改良了一个步骤——这一步改变了作品的效果。
在中国的景德镇，钴料直接涂在未经烧制的生胎上。一次烧制即完成所有工序。
而在有田，胎体要先进行素烧，温度约为900°C，然后才进行描绘。画笔接触的是已经过窑炉处理的表面。
精致的勾勒与层层叠染，在接触瞬间吸收颜料的表面上完成。
那个表面具有多孔性。当笔尖触碰时，它会瞬间吸收颜料。之后无法修改线条，无法擦除，没有重来的余地。画笔留下的任何痕迹，都会被完整地带出窑炉。
绘画分两个阶段使用两支画笔完成。细笔绘制轮廓——线描（sen-gaki）。然后用粗笔在轮廓内填充并晕染——浓淡（dami）。浓淡笔正是手绘染付具有深度的关键：蓝色并非扁平的，而是有深浅变化，这种渐变源于画师的手工，而非印刷纸张。
如果您想区分手绘作品和转印作品，这就是观察重点。我们在有田瓷盘的价值一文中对此有详细探讨。
染付，还是染锦？
现在是第二个词。
染付是釉下青花，别无他物。
染锦（somenishiki）起始方式相同——釉下钴蓝——然后在烧制好的釉面之上添加釉上彩：红、绿、黄、金、铂。作品会再次进入窑炉进行低温烧制以固色。
染锦：蓝色在釉层之下，红色和绿色则在釉层之上。
因此，染锦就是添加了色彩的染付。通常您可以辨别出两者：蓝色看起来深陷于表面，而彩色釉料则略微浮于表面，捕捉光线的方式也不同。在许多染锦瓷盘上，你甚至能用指尖触摸到红色的凹凸感。
哪种更好，这并非一个真正的问题。染付更为沉静，与餐桌上的其他器皿相得益彰。染锦则是为供欣赏而生——这也是为何它大多呈现为装饰盘和花瓶，而非日常使用饭碗的原因。
观赏作品
JTOPIA 现藏有来自四个窑口的三十六件青花瓷作品。
